Capítulo 4: Cómo leer el teatro

El teatro ofrece otra manera de contar una historia a través de la puesta en escena (o el performance). Comparte con la narrativa elementos fundamentales como el tema, la trama y los personajes. Y comparte con la narrativa y la poesía usos especializados del lenguaje. Tal vez usted quiera consultar las introducciones a estos géneros (otra vez) para refrescar su memoria.

También hay diferencias claves entre estos otros géneros. El género teatral implica la actuación y la interpretación, usualmente en vivo, y a menudo a base de un guión escrito. Leer un drama escrito por un dramaturgo o una dramaturga es una experiencia privada a diferencia de la experiencia de presenciar una puesta en escena que es una experiencia de recepción colectiva. Puede haber una sensación de urgencia al estar tan cerca de las acciones que pasan con seres humanos en cuerpo vivo junto a nosotros. Por este elemento de inmediatez el teatro a menudo es el mejor género para elaborar conflictos o las relaciones agónicas entre los personajes o escenas dramatizadas. También el teatro es diferente del cine y la televisión porque éstos, por el empleo de la cámara, controlan nuestra visión o cómo vemos lo que se presentan mientras la audiencia tiene más libertad de enfoque al presenciar una obra de teatro en vivo. Además podemos volver y repasar una obra filmada mientras que ninguna puesta en escena es exactamente igual. El teatro es más efímero: los actores pueden responder a la audiencia o ciertas situaciones, cambiando su tono, sus gestos, el ritmo u otros detalles de la representación.

Como los otros géneros, hay ciertas convenciones del teatro que requieren vocabulario específico. En el teatro tradicional hay una plataforma con una cortina, dividiendo los actores del público. A veces la plataforma puede extenderse hacia la audiencia, o puede haber plataforma estilo arena con asientos a todos lados. Los actores usan vestuario y utilería o propiedades cuando actúan en frente de un escenario. Al actuar pueden emplear sus voces, gestos, y presencia física mas utilería para interpretar su papel, refinándolo durante los ensayos. También hay un director o una directora que toma decisiones acerca de la puesta en escena según su interpretación o adaptación de una obra. El director o la directora puede ajustar la presentación de una obra según el lugar, el momento, o circunstancias particulares a los cuales quiere responder. Tiene control sobre la escenografía, el empleo de las luces y el sonido al crear su espectáculo. El pensar en cómo funcionan estos elementos es parte del análisis de cualquier obra de teatro.

El teatro, sin embargo, no depende de un espacio particular y puede presentarse en casi cualquier espacio: una sala, un parque, en el campo o en la calle. Por eso, un grupo dramático o un individuo puede responder rápidamente a cambios culturales o políticos; no se tiene que esperar el proceso de publicación. En un clima de comunicación pública restringida, uno también puede evitar la censura por trabajar de manera más improvisada.

El teatro europeo tiene sus bases clásicas en la tragedia, que tiene un tono serio y trata temas significativos de la vida (por ejemplo, la muerte, cuestiones de la existencia humana) y en la comedia, cuyo tono es más ligero y cuya meta es el entretenimiento o el humor. Costumbres que hoy en día interpretamos como teatrales también se practicaban antes del contacto europeo en lo que hoy es América latina. Uno solo tiene que pensar en los rituales y ceremonias de distintos grupos indígenas. España e Hispanoamérica también tienen una larga tradición de teatro religioso público usado para evangelizar, convertir, o educar a las masas; por ejemplo, “La danza de moros y cristianos” un tipo de teatro-ritual público (auto-sacramental) que representa la lucha entre los crisitianos y los musulmanes en España (711-1492). En las Américas, se adaptó etse teatro religioso a la música y danza tradicional indígena en lugares como México y Guatemeala. ALprincipio del siglo veinte había más influencia de los estilos europeos clásicos (y otros, como el realismo, el existencialismo, la comedia de costumbres o comedia musical), pero los años 60s marcaron un cambio. Al analizar las transformaciones del teatro latinoamericano en este siglo, George Woodyard ha notado la gran influencia de los festivales teatrales que se empezaron a ver en esta década. Éstos, en combinación con los cambios estimulados por la Revolución Cubana (1959) y la atmósfera generacional de rebeldía y repensamiento, produjeron estilos de teatro más experimentales, más políticos e izquierdistas.

Terminología

• La acción: La acción es el movimiento de los personajes en la obra dramática. Se usa el término para referirse a los actos físicos como también a la tensión que va subiendo en el drama por los motivos y conflictos entre los personajes. El antagonismo en la acción es central al drama.
• El diálogo: El diálogo es la esencia del teatro. Sin diálogo no hay teatro. Se trata de la interacción verbal entre los personajes.
• Los gestos son los movimientos de las manos, los brazos y la cara de los actores, que van caracterizando al personaje y contribuyendo a la acción y las interacciones de los personajes.
• Las propiedades o utilería son todos los objetos que se pueden mover dentro del escenario, los objetos que los actores pueden portar o mover.
• El vestuario son los trajes que llevan los actores. Es un elemento importante en la caracterización, ya que puede identificar género, edad, ocupación, raza, etnia. Establece el tiempo (histórico) y el lugar (nacional/cultural). El vestuario también puede realzar la acción.
• Las acotaciones ofrecen la información (a menudo introductoria o entre paréntesis) que se incluye en un guión sobre el escenario y las acciones de los actores.